Recientemente Ableton realizó una entrevista a la artista canadiense Grimes. La hemos leído y traducido para ti, ya que es muy interesante sobretodo para quienes estén trabajando en la creación musical con Ableton.

Desde 2009 que Claire Boucher A.K.A. Grimes ha estado lanzando su particular estilo de hacer música electrónica a un público cada vez más amplio, desde oyentes de música pop indie a melómanos exigentes. Una serie de álbumes aclamados por la crítica como “Visions” y “Art Angels”, aparte de una serie de Eps, han situado la mezcla de canto excepcional, composición y riqueza sonora como su principal motor productivo.
Esta combinación ganadora la ha llevado a obtener gran cantidad de visitas en Youtube, ser cabeza de cartel en festivales importantes como Glastonbury y Coachella.
Admirablemente el camino de Grimes ha sido construído bajo sus propios términos y su postura decididamente independiente como autor y productor de sus propios tracks está ayudando a poner de cabeza la antigua noción de la “artista femenina en el foco de atención sobre el escenario, y el cerebro masculino detrás de bambalinas”
Y así, con todo esto en mente, nos dispusimos felizmente a hablar con Boucher sobre sus técnicas de producción, como y de dónde saca sus sonidos y el proceso de trasladar sus tracks de estudio al escenario en vivo.
Para ti una canción toma forma primero en piano o guitarra, antes de elegir la paleta sonora, la grabación de los instrumentos o las vocales? O escribir, componer y producir son actividades entrelazadas?

Yo diría que esto último, todas están muy entrelazadas para mí. Es una especie de proceso sin fin donde produzco mientras escribo.

¿Cómo haces los beats? ¿Usas los pads o es todo Mouse/Trackpad?

Un poco de ambos. Me gusta usar la akai MPC y un teclado controlador MIDI, pero a veces armo todo de manera manual. Me gusta hacer paquetes de samples que utilizo, sobre todo para las fuentes de percusión. Generalmente uso combinaciones de baterías (como el agudo de un kick real y el bajo de un kick digital por ejemplo) Una vez que tengo uno bueno lo uso mucho, también tengo sampler packs que hace mi amigo Bloodpop o de los drumms que tengo los uso también. Suelo empezar con Kick/Snare y de ahí trabajo hacia atrás.

Hemos escuchado que pones mucha consideración al momento de encontrar el tempo correcto para un determinado track. Tiendes a probar tempos distintos para cada canción que estás trabajando?
Considero que el tempo es muy importante. Rápido puede ser increíble, pero entonces tienes que simplificar las percusiones, lento puede ser increíble también pero de verdad que tienes que perfeccionar el ritmo. Esto puede ser agonizante a veces …

¿Cómo abordas el diseño sonoro en general? ¿Siempre estás escuchando los sonidos interesantes que te rodean? ¿Cómo los capturas y dónde terminan?

Siempre estoy escuchando sonidos interesantes, como por ejemplo, hace poco tomé un sample de percusión que tenía mucha información melódica, le agregué una rever al 100% y luego samplié esa rever de manera que nada de la muestra original estaba, pero si contenía la información melódica. A veces grabo cosas en la casa como collares de cuentas o lo que sea. También encuentro samples online de comunidades que graban y observan pajaritos, jaja. Usualmente uso una combinación de estos métodos.
Por ejemplo para la canción “Venus Fly”, tenía estas impresionantes 808s, que armé con dos sonidos diferentes de 808s (la drum machine), luego samplié un taladro de dentista y lo sintonicé al sonido de las 808s, lo puse en una multicapa sutilmente por encima de todo, así sonaba más salvaje pero a la vez amplio y limpio porque creo que panié el taladro duro y la 808s estaban en mono al centro.

En tus tracks siempre están pasando muchas cosas al mismo tiempo. Cómo mantienes una visión general de todo mientras estás trabajando?

Mis archivos son demasiado desordenados, últimamente estoy tratando de ser más organizada para controlar todo, como uso muchas capas es complicado y rápidamente mis archivos se caen a menudo.

¿Cómo sabes cuando un track está terminado? sigues la tendencia de “sumar hasta que la pintura está completa” o la estrategia de “sacar hasta que solo quede lo esencial”?

Estoy más en la zona estratégica de “sacar hasta que solo quede lo esencial” pero luego, las versiones de las canciones que toco en vivo terminan siendo las mejores, porque tengo de vuelta las mezclas de los stems y le voy agregando muchos sonidos nuevos. Usualmente termino los tracks con un plazo final auto impuesto, y en mi opinión, me hubiera gustado hacer mucho más en la mayoría de mis tracks publicados.

¿Como traduces lo que has hecho en el estudio en algo que pueda ser tocado en vivo? ¿Cómo se asignan las partes a los músicos que tienes en el escenario?

HANA es la chica con la estoy girando actualmente, es una increíble multi- intrumentista y vocalista que últimamente ha estado agregando mucha creatividad y tocando las partes de guitarra que antes eran solo samples. También improvisamos mucho en el bus o en los hoteles, haciendo armonías vocales y cosas como esas, tenemos una muy buena relación musical y ella se ha vuelto muy importante para mí en el escenario.

Además de la guitarra y Ableton Live tengo dos samplers SPs 404 y HANA usa un pad lleno de baterías para rellenos.También reproduzco las canciones hasta un cierto grado, estamos integrando pedales y cosas así y mi asistente de sonido, Patrick Scott automatiza ciertos elementos desde la cabina como las vocales y los efectos de guitarra. Me apoyo mucho en la pedalera/loopera, así puedo cambiar entre un efecto seco de vocal pop o un drone con mucho efecto para los momentos de gritos y cosas así.

Fuente: Ableton.com